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Vivre de sa voix

Enseigner pour des professionnels

La majorité des professionnels qui viennent travailler avec moi ont déjà une bonne expérience de chant et de scène. Ce qui veut dire des compétences, une créativité, mais aussi quelquefois des tics vocaux qui peuvent s'avérer destructeurs à la longue. Le premier objectif du travail est de rectifier les mauvaises positions vocales, sans pour autant banaliser le timbre. Ensuite seulement, on peut aller plus loin dans la recherche sonore et styllistique.

Souvent, le désir de formation n'apparaÎt pas comme un préalable indispensable, mais plutôt après coup, comme une réponse à des problèmes rencontrés au cours de la pratique.

Il est très important de ne pas vous enfermer dans une technique, dans un style. Laisser les portes ouvertes, c'est vous permettre d'évoluer dans vos goûts au fil de votre parcours créatif.

Le rôle de l'enseignant n'est pas de valider toutes les pratiques existantes et faire passer des dysfonctionnements vocaux pour des choix artistiques assumés. Dès que le risque de pathologies laryngées existe, il se doit de mettre en garde les chanteurs et proposer des solutions alternatives. Comme le dit Nicolas du groupe Ultra vomit : « Il y a certaines voix que je ne fais plus »

Fiabiliser la technique

C'est donner au chanteur les moyens d'émettre la voix :

  • Sans se faire mal.

  • Sans courir le risque d'une extinction de voix au cours d'un concert.

  • Durablement sans mettre en péril son appareil phonatoire.

L'intervention de l'enseignant consiste à apporter des modifications au geste vocal voire, dans les cas extrêmes, à réinstaller les bases techniques.

La dimension psychologique est essentielle : un bon professeur de chant doit être capable de comprendre la personnalité de son élève afin d'employer le langage le plus approprié.

De son côté, il est essentiel que le chanteur accepte l'idée de dérangement : ses sensations vont changer, il s'y accoutumera progressivement. Si rien ne change dans le ressenti physique, alors rien ne change dans le résultat vocal.

Développer ses possibilités

  • Inspiration et soutien : en fonction de votre pratique vocale, la localisation de l'inspiration pourra être revue. Beaucoup de chanteurs inspirent trop haut : avec certains on entend autant l'inspiration que la voix chantée. L'inspiration pourra être ventrale ou costo-abdominale (souvent plus adaptée à ce type de répertoire). Il est très important de modifier le geste inspiratoire si celui-ci met en jeu les épaules. Mieux comprendre la respiration.

    Pour ce qui est du soutien, il sera modulé en fonction du répertoire pratiqué. Une attention particulière sera portée aux fuites d'air lors des attaques par (défaut fréquemment constaté) qui limite la tenue du souffle.

  • L'émission de la voix : c'est la question la plus sensible : on ne peut pas avoir le même type d'exigences pour une chanteuse de chansons à texte, pour un bluesman ou encore un crowner… Le tronc commun de la formation doit permettre la pratique sans efforts du chant en général dans la mesure ou probablement vous ne chanterez pas toute votre vie un seul genre musical. Un enseignement personnalisé lié aux typicités de votre pratique actuelle complètera ce dispositif.

  • Le rapport voix chantée-voix parlée : certains chanteurs se racontent sur scène. Beaucoup d'entre eux constatent une fatigue liée à l'utilisation de la voix parlée. Le cas type pourrait être un rockeur qui parle avec une voie plutôt grave et enchaine dans la foulée une chanson au fondamental une octave au-dessus. Là aussi, des solutions existent pour intégrer le parler dans le travail vocal.

Communiquer autrement que par la voix

Un chanteur ne vaut pas seulement par sa voix et ses capacités musicales. Nous aborderons également la question de l'expressivité du visage, des mains et du corps dans son ensemble. Ces critères sont déterminants pour être à l'aise sur scène.

Quand elle est adaptée, la gestuelle fonctionne en synergie avec la voix. Vous découvrirez la pertinence ou non de chaque geste.

Retravailler ses chansons

Les auteurs-compositeurs-interprètes sont fréquemment demandeurs d'une remise à plat de leurs chansons. En quoi cela consiste t-il ?

  • Au minimum, nous aborderons des passages qui posent un problème vocal. Il peut s'agir d'un problème de respiration, d'un aigu qui fait peur…

  • Si ce travail est insuffisant, il est possible d'aller plus loin dans la réflexion. La tonalité de cette chanson est-elle adaptée à votre voix ? Si ce n'est pas le cas : nous ferons des essais pour trouver la plus judicieuse.

  • S'il s'avère qu'un passage est vraiment trop difficile pour vous, je vous proposerai de changer une ou quelques notes sans remettre en question l'harmonie. Les chanteurs les plus connus ne s'en privent pas. Voir cette page.

  • Enfin, si la question vous intéresse, nous aborderons le rapport musique-texte. Comment adapter une mélodie à un texte, comment traduire au mieux le rythme d'une langue ?

Découvrir d'autres musiques

En travaillant sur un répertoire que vous ne pratiquez pas, pour lequel vous n'avez pas d'habitudes d'interprétation, vous serez plus disponibles pour installer des sensations nouvelles.

Pour plusieurs de mes élèves, la découverte d'autres styles de musique a été un moteur pour leur propre création : elle leur a permis d'utiliser des formules mélodiques nouvelles, des harmonies plus audacieuses.

Voix de femme : les choix techniques

La majorité des interprètes de chanson française n'utilise que le mécanisme 1 (voix de poitrine). En musique anglo-saxonne, les pratiques sont plus diverses. Les chanteuses de blues, soul et jazz utilisent fréquemment la voix de tête. Bon nombre de chansons sont d'ailleurs inabordables pour qui ne maîtriserait que la voix de poitrine.

C'est pourquoi je propose en général un travail sur les 2 registres, qui vous permettra d'aborder tous les styles.

Beaucoup de chanteuses de comédie musicale pratiquent le belting : cette technique geste née à Broadway après guerre donne une couleur particulière à l'aigu.

Pour celles qui débutent, ces questions techniques peuvent paraître difficiles d'accès. C'est à l'enseignant d'observer votre comportement naturel avec l'aigu, de vous interroger sur vos goûts, pour vous aider à choisir une option. Pour aller plus loin sur l'aspect technique et styllistique, vous pouvez visionner cette vidéo.

Voix masculines : l'aigu

C'est une préoccupation majeure des chanteurs : comment avoir un aigu plus facile, comment ne pas se faire mal ? Certains d'entre vous désirent utiliser leur voix de tête.

Pour les chanteurs qui restent en voix de poitrine dans l'aigu, le travail portera notamment sur la détente, qui permettra un aigu plus sonore sans se faire mal.

Si vous aimez utiliser la voix de têtete, nous travaillerons le mixage, qui permet une transition en souplesse et donne une impression de facilité pour l'auditeur.

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